Peter Gunn (Peter Gunn, 1958). La teleserie Peter Gunn, que glosaba las aventuras del detective del mismo nombre, se mantuvo durante tres exitosos años en la parrilla norteamericana y, sin duda, debe gran parte de su impacto a la banda sonora de Henry Mancini. El que es, para muchos, uno de los instrumentales más reconocidos de la cultura popular occidental, extendió su hechizo a manos del guitarrista Duane Eddy (1959) y, después, Art Of Noise (1986); en ambos casos, puntal de sus respectivas carreras. También hemos oído el tema central de Peter Gunn interpretado por Emerson, Lake & Palmer; Aretha Franklin con los Blues Brothers o, más informalmente, Aerosmith.Peter Gunn
Peter Gunn (Peter Gunn, 1958). La teleserie Peter Gunn, que glosaba las aventuras del detective del mismo nombre, se mantuvo durante tres exitosos años en la parrilla norteamericana y, sin duda, debe gran parte de su impacto a la banda sonora de Henry Mancini. El que es, para muchos, uno de los instrumentales más reconocidos de la cultura popular occidental, extendió su hechizo a manos del guitarrista Duane Eddy (1959) y, después, Art Of Noise (1986); en ambos casos, puntal de sus respectivas carreras. También hemos oído el tema central de Peter Gunn interpretado por Emerson, Lake & Palmer; Aretha Franklin con los Blues Brothers o, más informalmente, Aerosmith.
Gimme Three Steps
“Gimme Three Steps” aparece en el album debut de Lynyrd Skynyrd en 1973. La canción fue escrita por Allen Collins (guitarra) y Ronnie_Van_Zant (voz) y esta basada en una historia que le sucedió a Ronnie en un bar de moteros. Cuenta que estaba bailando con una chica en un bar cuando aparec un tipo con una pistola pensando que se la está pegando. Pero mejor pongo la letra y una traducción.
I was cuttin’ the rug / Estaba cortando la alfombra (bailando)
Down at a place called the Jug / abajo en un sitio llamado the Jug (la perola)
With a girl named Linda Lu / con una chica llamada Linda Lu.
When in walked a man / Cuando entró un hombre
With a gun in his hand / con un arma en la mano
Lookin’ for you know who / buscando a ya sabes quién.
He said, “Hey there fellow / Dijo:Hola compañero
With the hair colored yellow / de pelo rubio
What you tryin’ to prove? / ¿Qué intentas demostrar?
‘Cause that’s my woman there / Porque está es mi mujer
And I’m a man who cares / y yo soy el hombre que la protege
And this might be all for you / y esto puede ser todo para tí.
I was scared and fearin’ for my life / Estaba asustado y temí por mi vida
Shakin’ like a leaf on a tree / Temblando como la hoja de un árbol
‘Cause he was lean and mean / Porque era claro y conciso
And big and bad, Lord / Y grande y malo, Dios!
Pointin’ that gun at me / Apuntándome con ese arma.
Oh, “Wait a minute, Mister / Oh, “Espere un minuto, señor
I didn’t even kiss her / ni siquiera la he besado.
Don’t want no trouble with you / No quiero ningún problema con usted
And I know you don’t owe me / y sé que no me lo debe,
But I wish you’d let me / pero me gustaría que me dejara
Ask one favor from you” / pedirle un favor.
I said, “Won’t you give me three steps / Dije “No me daría tres pasos”
Gimme three steps Mister / Deme tres pasos señor
Gimme three steps towards the door? / ¿Me da tres pasos hasta la puerta?
Gimme three steps / Deme tres pasos
Gimme three steps Mister / Deme tres pasos señor
You’ll never see me no more” / Y no me verá nunca más.
Well the crowd cleared away and I began to pray / Bueno, la peña se apartaba y yo empecé a rezar
As the water fell on the floor / como agua derramada en el suelo.
And I’m tellin’ you son, well it ain’t no fun / Y te digo hijo, que no era nada divertido
Starin’ straight down a forty-four / ver desde abajo como te apuntan con un un 44
Well he turned and screamed at Linda Lu / Bueno, se volvió y gritó a Linda Lu
So break I was lookin’ for / Así que hice lo que estaba buscando
And you could hear me screamin’ a mile away / y podías oirme gritar a una milla
As I was headed out towards the door / como iba de cabeza directo a la puerta.
I said, “Won’t you give me three steps / Dije “No me daría tres pasos”
Gimme three steps Mister / Deme tres pasos señor
Gimme three steps towards the door? / ¿Me da tres pasos hasta la puerta?
Gimme three steps / Deme tres pasos
Gimme three steps Mister / Deme tres pasos señor
You’ll never see me no more” / Y no me verá nunca más.
California Dreamin´
California Dreamin obra de The Mamas & the Papas salió con toda su energía en 1965, pero fue escrita dos años antes por John Phillips y Michelle Phillips mientras vivían en Nueva York, ambos vocalistas de este grupo folk pop. La canción habla sobre la nostalgia por California y su clima, en una invernal Nueva York.
Se ha dicho que la canción estuvo inspirada en la experiencia de cantante del grupo John Phillips en la Escuela naval de los Estados Unidos, en donde los guardias marinos llaman el período de invierno en la Academia "la edad del oscurantismo", debido tanto a las pocas horas de luz de la estación como a la carga de exámenes finales y a la de trabajo. Pero estamos seguros que la primera versión tiene más sentido con la letra de este tema.
California Dreamin ha sido tan reconocida que ocupa en número 89 de las mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone. Ha sido también versionada por José Feliciano, The Beach Boys, The Carpenters, The Four Tops, Bobby Womack, R.E.M. entre otros.
Si bien es una canción nostálgica por el clima californiano, muchos sentimos nostalgia por el colorido y la buena música de los años 60's, o al menos nos hubiese gustado vivir esa época de "paz y amor".
Across The Universe
La canción fue escrita por John Lennon en Kenwood tras una discusión con Cynthia Powell. Mientras estaba tumbado en la cama, la frase pools of sorrow waves of joy (estanques de pena, olas de alegría) le vino a la cabeza, y allí se quedó hasta que se levantó y la escribió.
Aunque The Beatles tan sólo grabaron Across the Universe una vez y luego se editaron dos versiones, ambas contienen elementos no deseados que fueron añadidos en el proceso de producción. La canción se grabó en febrero de 1968, pero por varias razones (John no estaba totalmente convencido con el resultado) permaneció inédita hasta 1969, cuando el álbum del WWF "No One is Gonna Change Our World" fue lanzado. Esta es la versión que aparece en el Past Masters 2. Sonidos de pájaros fueron añadidos a la canción para dicho lanzamiento (sonidos que no incluyeron The Beatles) y además se aceleró la canción subiéndola un semitono, hasta Eb. Phil Spector utilizó la cinta original de 1968 para superponer un coro y una orquesta para el álbum Let It Be, aunque la canción se ralentizó incluso por debajo de la velocidad original, quedando ahora un semitono por debajo del original, es decir en C#.
La primera versión que se encuentra en la recopilación "Past Masters, Two" donde se incluyen los sonidos de los pájaros y es notable que es más rápida que la que se encuentra en Let It Be.
La versión original de Across The Universe puede encontrarse en el álbum de 2003 "Let It Be... Naked".
El 5 de febrero de 2008, a las 00:00 UTC, la NASA transmitió "Across The Universe" en dirección a la estrella Polaris, que se encuentra a 431 años luz de la Tierra. La transmisión fue realizada usando una antena de 70m en el DSN's Madrid Deep Space Communication Complex, localizado en las afueras de Madrid, España. Y fue hecho con un transmisor "X band", proporcionando a la antena 18 KW.
Esto fue hecho a fin de celebrar el 40º aniversario de la canción, el 45º aniversario de la Deep Space Network (DSN), y el 50º aniversario de la NASA. La idea fue concebida por el historiador de los Beatles Martin Lewis, quien invitó a todos los fans de los Beatles a reproducir la canción como si fuera a ser enviada a una estrella distante. Esta es la segunda ocasión en que una pieza musical ha sido intencionalmente transmitida al espacio exterior (la primera fue el mensaje interestelar: "1st Theremin Concert to Aliens"), y fue aprobada por Paul McCartney, Yoko Ono, y Apple Records.
Tears in Heaven
Más que una canción, "Tears in Heaven" (lágrimas en el cielo) es una tragedia cantada por Eric Clapton, pues cuenta la historia del accidente que ocasionó la muerte su hijo Conor, quien cayó desde el piso 53 de un edificio en Manhattan (New York).
Nueve meses después, y en proyecto de componer el tema musical para la película Rush, Eric y Will Jennings compusieron la canción “Help me up”, la cual se escucharía al final de la película. Eric, no conforme, se dio cuenta que en medio de la película podía caber una canción más y le contó a su amigo y compañero de trabajo Will Jennings que quería escribir una canción para su hijo.
Eric compuso el primer verso de la canción, y luego le pidió a Will que lo ayude a componer el resto. Will se negó, indicándole que era una canción muy personal y que Eric la debía componer complemente. Sin embargo, Eric Clapton lo convenció diciéndole que estaba muy feliz con el trabajo realizado por él con otros artistas y que sabía que iba a escribir en el resto de la canción lo que él sentía.
Así nació una tragedia que nos hablaba de unas lágrimas en el cielo y del deseo de un padre por volver a ver su hijo. Nació así también el campo donde minó las preguntas, que jamás le podríamos responder, sobre si ¿se verá igual?, o ¿sabrá su nombre? Confesó también así que tendría que ser fuerte, que tendría que seguir para vivir con la esperanza de poder volver a verlo en el cielo.
Desde el año 2004, Eric Clapton ya no toca la canción “Tears in Heaven” pues comenta que por fin el sentimiento de ausencia de su hijo se ha perdido; un poco gracias al tiempo, y prefiere no revivirlo cantando la canción,
Have you ever seen the rain?
Una melodía agradable y pegadiza sirve de cuna a un texto no menos sencillo e ingenuo que da pie a muchas interpretaciones. Muchos dicen que la letra de esta canción se refiere a la guerra de Vietnam, que se refiere a la "lluvia" como una metáfora de las bombas que caen del cielo.
Crazy Little Thing Called Love
Un homenaje musical a Elvis y a los sesenta. Escrita por Mercury, publicada en el disco The Game, uno de los más exitosos discos de la banda de rock inglesa Queen. Una melodía bailable, digna para las fiestas y que nos trajo los acordes de guitarra típicos de los sesentas en inicio de 1980. Quizás entre tanto punk, reggae y onda disco muchos pensaron que el rock and roll se iba a los museos, pero Queen les dijo simplemente que no... este fue el resultado.Freddie Mercury compuso la melodía en guitarra en apenas 10 minutos y, al mostrársela a la banda, tuvieron la canción lista en cuestión de horas.
‘Crazy Little Thing Called Love’ es la única canción en la que Mercury tocaba la guitarra en vivo, ya que no era una de sus especialidades.
La canción fue la primera de Queen en llegar al puesto número 1 en las listas estadounidenses y junto con Another One Bites the Dust, son las únicas canciones de Queen que llegaron al n.º 1 en Estados Unidos. En Australia la canción también llegó al n.º 1, manteniéndose ahí por 6 semanas
Travellin´ Band
"Travelin 'Band" es una canción de la banda californiana Creedence Clearwater Revival. Fue escrita por su lider y vocalista (y ademas gran guitarrista) John Fogerty para uno de sus discos mas interesantes (Cosmo's Factory) que fue publicado en 1970.
La canción está inspirada, tanto en lo musical y en la interpretación de Fogerty, por esos rock'n'roll que hicieron furor a mediados de la decada del 50, especialmente en los temas de Little Richard. Por ello, en octubre de 1972, la empresa que era dueña de los derechos de autor de las canciónes del "Pequeño" Richard consideró que "Travelin' Band" era un plagio de la famosa "Good Golly, Miss Molly" ya tenía bastantes similitudes en los musical. Esta polémica se resolvió fuera de tribunales ya que Fogerty declaró ante los abogados que fue un plagio incidental (es decir, no tuvo la intención de hacerlo) .
La letra de la canción nos describe cómo es la vida de un músico viajero, la cual es tan rápida como el ritmo de la canción. Muchos señalan que la letra puede ser muy apegada al momento que estaba pasando la banda, donde llevaban una vida entre conciertos (entre esos estaba el famoso Woodstock) y el estudio de grabación. En esos momentos Creedence Clearwater Revival eran algo así como los Reyes Midas del rock, ya que todo lo que tocaban y sacaban a la venta lo convertian en discos de oro.
La canción fue lanzada como single junto a la hermosa balada "Who'll Stop the Rain" en enero de 1970 y llegó el segundo puesto en las listas del Billboard y del Pop Singles Chart. Tambien la canción fue un exitazo en el Reino Unido donde llegó a quedar en el puesto #8 de las listas.
Con el paso del tiempo la canción se ha vuelto un himno del rock and roll y muchas bandas han tocado sus versiones de este movido tema. Uno de ellos fue Elton John quien grabó un cover de esta canción cuando empezaba su carrera musical y Jerry Lee Lewiscantó a dúo con John Fogerty esta canción para su disco Last Man Standing.
All Right Now
"
"All Right Now" es una canción de la banda inglesa Free, que fue lanzada como single en el año 1970 promocionando su LP "Fire and Water", uno de sus trabajos musicales mas aplaudidos por la prensa y considerado como una de las "joyas" del rock británico.
Free es una de las bandas británicas mas importantes dentro del género Blues-Rock. Formada en Londres a finales de los 60's cuando un jóven llamado Paul Rodgers, que atenía una extensa carrera sobre los escenarios cantando rock and roll, decide armar una nueva banda con el fin de probar suerte en la escena profesional. Tras una larga búsqueda de músicos, el vocalista dió con un talentoso guitarrista llamado Paul Kossoff, luego con el bajista Andy Fraser y finalmente encontró un baterísta apot para su nuevo estilo musical: El señor Simon Kirke. Estos cuatro muchachos se declaraban fans del blues y el buen rock, y además traían un curriculum vitae extenso con varias participaciones en estudios de grabación como músicos de sesión.
Una de sus canciones mas famosos es, sin lugar a dudas, "All Right Now". Esta pieza musical, que contiene un inmortal e influyente riiff de guitarra, fue escrita por Andy Fraser y Paul Rodgers en un estado de emergencia musical tras reflexionar sobre sus actuaciones en vivo a las cupales le faltaba una cuota de rock duro para darle mas energía al asunto.
La historia cuenta que la canción fue escrita por el vocalista y el bajista de la banda tras un concierto que dieron en la histórica cuidad de Durham. En esa ocasión, en los camarines, los integrantes de Free notaron que le faltaba una canción potente, que hiciera saltar a toda su fanaticada y hacer que muevan sus melenas hasta el suelo. Al parecer, ya en eso días el abuso del Blues y las experimentaciones improvisadas sobre el escenario no bastaban para sorprender al público, que años tras año le pedían mas y más a sus bandas favoritas, y en este caso el "palo" iba para los Free.
Tras una larga conversación acompañada de cervezas y groupies, el bajista Andy Fraser, empezó a improvisar una llamativa melodía ante la mirada atenta de sus compañeros.
De inmediato Andy pescó un cuaderno y empezó a escribir la música de su nuevo hit que le salvaría los shows. En ese camarín, nacía "All Right Now", la canción que marcaría la trayectoria de esta gran banda.
En Junio del año 1970 la banda entró a los Trident Studios y grabó esta canción que habla sobre un personaje que anda en busca de un amor, y en una de sus andanzas encuetra a una chiquilla en la calle y se la lleva a su casa para que pasen una noche de diversión y mas allá.
Pero antes de lanzarla como single, la banda presentó su nueva canción un 30 de Agosto de 1970 en el famoso "Isle of Wight Festival" ante unas 600 mil personas. En esa ocasión, la frenética banda la rompió con todas las ganas, y su nueva canción ya pintaba para ser un clásico dentro de su repertorio ya que su fanaticada los aplaudió a rabiar y disfrutó al ciento por ciento los pegajosos riffs de guitarra y la potencia de estos renovados Free.
Tras esa actuación, las radioemisoras empezaron a pedir la canción a la doscográfica de la banda, ya que muchas personas la pedían constantemente durante el día y los DJ's sólo contaban con la mencionada versión en vivo pero en una calidad sonora muy baja.
A raíz de esa situación, Free lanza como single "All Right Now" y tal como ya se aventuraba, la canción fue un exitazo en los charts.
En tan sólo una semana ya estaba en la casilla #2 del UK singles chart y días después le daban la noticia de que esa potente canción estaba en puesto #4 del Billboard Hot 100.
De ahí en adelante, esta poderosa canción quedó como una de las piezas mas importantes dentro del rock británico.
Muchas bandas empezaron a imitar ese nuevo estilo o simplemente le hacían una nueva versión a este clásico. Los medios de comunicación tampoco se quedaron de brazos cruzados, y empezaron a usar la canción para promocionar sus productos mediante esta gran melodía que dejó a los Free como una agrupación inmortal.
Soul Finger
"Soul Finger" es una canción de la banda de R&B The Bar-Kays, que fue lanzada como single el 14 de Abril de 1967, conviertiendose rápidamente en su primer hit mundial y en una de sus melodías mas reconocidas con el paso de los años.
Esta banda estadounidense, que debe su nombre al ron Bacardi, se caracterizaba por hacer música simple y bailable. Además esta banda estaba formada por seis músicos de sesión que ya tenían harto rodaje dentro de la escena musical norteamericana.
"Soul Finger" fue un hit en Estados Unidos, llegando al tercer puesto del Billboard Black Singles chart y a la casilla #17 del Billboard Hot 100.
Las radios y la televisión no paraban de colocar la melodía de “Soul Finger” y la popularidad de la banda estaba en los cielos. Meses despues, la banda daba una gran noticia a sus fans: Serian la banda de apoyo en la gira de su gran amigo Otis Redding, que por esos años era grito y plata dentro del Soul. De hecho el músico era considerado el Rey del Soul.
Cuando todo pintaba para que fuera todo un suceso musical esa mezcla entre Redding y los Bar-Kays ocurrió un suceso que cambiaría la historia de los artistas y del Soul. Es que l a mañana del 10 de diciembre de 1967, en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), después de un brutal accidente del avión que los transportaba, perdieron la vida el gran Otis Redding junto a otros 4 miembros de The Bar-Keys.
Si bien, ese trágico suceso marcó a la banda y a los fanáticos del Soul, los Bar-Kays se levantaron del suelo y siguieron tocando y sacando hits, pero siempre guardaban un especial cariño por "Soul Finger", que fue la canción que le mostró la gloria y a la vez los dejó marcado por el resto de sus vidas como una banda que quedó en la historia de la música popular.
Hotel California
«Hotel California» se ha convertido en el tema más emblemático de los Eagles, el que les convirtió definitivamente en superestrellas del rock, aunque, como grupo que ha vendido más de 120 millones de discos, poseen bastantes canciones que perviven en la mente de varias generaciones de admiradores.
El álbum salió a la venta en diciembre de 1976, y el single el 13 de marzo de 1977. Este último llegó a despachar más de un millón de copias y alcanzó el número uno en Estados Unidos
Su letra la ha convertido en una de las canciones que más interpretaciones ha suscitado. Y es que el argumento, bastante inquietante, nos puede recordar a la película «Abierto hasta el amanecer». Escrita en primera persona, nos habla de la llegada a un hotel en medio del desierto, y tras cruzar su puerta, la primera conclusión es que «esto podría ser el cielo o el infierno».
Existen múltiples interpretaciones: que si se refieren a la degradación de California o al menos de su alta sociedad, a la depravada vida del músico de rock, que si se trata de una iglesia satánica donde va a tener un sangriento ritual (el narrador pide vino pero le dicen que no hay desde 1969, cuando el vino tiene esa connotación sagrada), que si se escuchan extraños mensajes si se escucha al revés... incluso se dice que en realidad el Hotel California se refiere a un psiquiátrico de Camarillo (California) que así se hacía llamar y que existió entre 1936 y 1997, y que se convirtió en un lugar de pesadilla para todo aquel que fuera un poco «raro: alcohólicos, drogadictos, enfermos mentales, inmigrantres despistados o adolescentes descarriados.
Esta mítica canción tampoco estuvo exenta de polémica, y es que tiene un parecido razonable con «We Used To Know», canción de Jethro Tull grabada en 1969. La banda de Ian Anderson fue telonera de los Eagles, lo cual añade un matiz sospechoso. Sin embargo, el mismo flautista y cantante del grupo quitó hierro al asunto: «Quizá tomaron inconscientemente algo, e introdujeron esa secuencia de acordes en su famosa canción "Hotel California".
Wonderful tonight
"Wonderful Tonight"es una canción del famoso músico íngles Eric Clapton. Pertenece al disco Slowhand de 1977, que es uno de los mejores discos de este gran guitarrista, donde resaltan varias canciones que ya son tachadas de clásicas
El single de esta delicada balada fue lanzado recien en 1978 y fue un gran éxito en ventas, ayudando aún más a la popularidad del impresionante disco.
Esta balada es de las mejores composiciones de Clapton en su etapa setentera. La inspiración y dedicación de esta romantica pieza fue para Pattie Boyd, quien era su novia por ese entonces. Boyd era novia de George Harrison hasta que conoció al mejor amigo del ex-Beatle y decidió irse por el fácil y peligroso camino de la infidelidad y los engaños en una relación amorosa marcada por la lucha de egos entre esos dos pesos pesados del rock que le dedicaron grandes canciones a la figura de esta hermosa joven. Ejemplos claros fueron Something y "For Your Blue" de Harrison, mientras que Clapton le regaló los versos de "Layla" y "Wonderfull Tonight" . Todo esto fue corroborado años despues en el libro autobiográfico de Pattie Boyd titulado Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me.
"Wonderfull Tonight" fue escrita en 1976 por Clapton mientras esperaba impaciente que Patti Boyd se arreglara y maquillara para asistir a un tributo de Buddy Holly donde Clapton compartiría escenario junto a Paul McCartney.
En una entrevista con el periodico The Guardian en 2008, Pattie Boyd recordó que Clapton "estaba sentado a mi lado tocando su guitarra, mientras yo trataba de elegir un vestido para llevar al show. Al parecer ya llevaba harto rato en eso, mas encima no estaba a gusto de mi peinado, mi ropa, todo, asi que en ese rato Eric me grita "¡Escucha esto!" y empezó a tocar los acordes de esta canción que la habia compuesto mientras yo me arreglaba..."
Musicalmente es una canción notable, llena de magia en los riffs de guitarra y con un sonido blues muy delicado y cuidado casi a la perfección. Además Clapton se dió el lujo de colocar algo mas "pop" en esta canción y eso le jugó a favor, ya que se estaba desligando un poco del rock sesentero del cual fue protagonista principal y pudo dar cuenta a su publico que tambien estaba para sonidos actuales en sus discos y eso se nota en sus posteriores publicaciones discograficas.
Gravity
John Mayer es un joven cantante y guitarrista estadounidense que ha ido evolucionando desde sus comienzos hasta convertirse en uno de los músicos más interesantes del panorama actual. Comenzó su carrera tocando pop y rock acústico y ha ido acercándose poco a poco hacia el género de blues colaborando con grandes estrellas como Eric Clapton, B.B. King o Buddy Guy, y formando el John Mayer Trio. La influencia del blues es patente en su álbum Continuum, lanzado en septiembre de 2006. Ganó el premio Grammy en la categoría de mejor álbum vocal pop por Continuum y mejor interpretación vocal pop masculina por "Waiting on the World to Change" a su album "Continuum", Gravity es una magnífica balada a ritmo de blues con una frescura y una originalidad extraordinaria y que suena de maravilla.Tal para cual
El destino confabuló para que el disco más rockero en el árbol discográfico de Luz Casal se resuma como el trabajo en el que se hospedan los boleros ‘Piensa en mí’ y ‘Un año de amor’,‘
Pero “A contraluz” abrigaba muchas canciones de altísimo nivel inmerecidamente subestimadas por culpa del destello cegador de ‘Piensa en mí’. Temas muy rockeros. Auténticas cargas de dinamita sonora.
"Tal para cual’, vuelve a mostrar a una Luz rockera y con ganas de pelea en un didáctico texto firmado por Carmen Santoja. La Vainica Doble nos relata la sequedad pasional y el desgaste súbito que les ha provocado a dos personas arrogantes y proclives a la irascibilidad habitar el costumbrista hogar tras legalizar su amor. Canción pedagógica para los que confunden amor y convivencia.
San-Ho-Zay
Con un estilo aspero Freddie King fue un guitarrista que se abrió paso en el blues a través de la influencia del gran T-Bone Walker, una figura indiscutible de esta corriente musical y autor de inolvidables himnos como “Hideaway”, “The Stumble” y “San-Ho-Zay”, todos ellos instrumentales algo inimaginable para esa época en la que tenia que compartir carteles con los otros Kings (Albert y B.B.).
Rey absoluto del sustain (dar una nota y que quede sonando sola y de forma definida ) que provoco la adoración de Vaughan, Green y el mismísimo Clapton (que ha llegado a imitar su voz en mas de una oportunidad) llego a Chicago a principios de los 50 y se rodeo de gente como Eddie Taylor, Robert Lockwood, Magic Sam y Otis Rush aportando su cuota tejana al incipiente blues eléctrico por ese entonces .
Moonflower
"Moonflower” es un álbum doble en vivo de 1977 por Santana. Las características de grabación en estudio y en vivo, se intercalan entre sí en todo el álbum. Se considera el favorito de los fans, y es quizá el álbum en vivo más popular del grupo, ya que “Lotus” no recibió una edición en EE.UU. hasta comienzos del decenio de 1990. Muestra una mezcla entre fusión latina y estilos de blues-rock de finales de los sesenta y comienzos de los setenta. Fue grabado durante la gira de apoyo al álbum “Festival”, por lo que muestra una similar mezcla de estilo, y muchas de las canciones del álbum se muestran aquí
Una versión de “She's Not There” de Zombies de mediados de los años 60 fue lanzada como single y llego al # 27. La canción fue la primera grabación de Santana en alcanzar el Top 40 de las listas de Billboard desde “No One to Depend On” que llegó al # 36 en 1972. El álbum alcanzó el # 10 en Billboard y fue disco de platino
Es curiosa su historia pues en principio solo se escuchaba por las radios, después sacaron el LP de "Moonflower", curiosamente el mismo titulo en ingles de flor de luna, pero no iba el tema incluido en su interior; eso dio muchos quebraderos de cabeza y muchos fans se sintieron decepcionados; pero si incluía los temas "Europa", "Black magic woman". Por eso sacaron aparte un single con el tema flor de luna
Sleepwalk
En 1987, la canción fue utilizada como parte de la banda sonora de la película "La Bamba", basada en la vida del malogrado rockero Ritchie Valens. Sin embargo, la muerte de Valens ocurrió en febrero de 1959 (el famoso The day the music died, citado en la canción "American pie" de Don McLean), mientras que "Sleep walk" fue publicada en agosto del mismo año.
Otro dato curioso de esta canción: aunque la versión de Santo & Johnny es instrumental, la composición original incluía letra. El mismo año en que apareció la versión de los autores, Betsy Brye grabó otra donde sí se incluye la letra.
Autumn Leaves
Otro año mas tarde el compositor estadounidense Johnny Mercer escribió la letra en inglés y se la presento a la recién descubierta Jo Stafford que sin pensárselo dos veces acepto el reto de dar a conocer mundialmente lo que hoy día es una de las canciones mas versionadas de la historia. Otras versiones notables de Autumn Leaves que merecen especial mención son las de Edith Piaf, Frank Sinatra, Eric Clapton, una muy peculiar de Iggy Pop y una memorable de Nat King Cole para la película Autumn Leaves(1956).
Sin embargo es en 1955 cuando Autumn Leaves versionada por Roger Williams se convierte en la primera y ultima canción para piano que llega al n.º 1 en Estados Unidos.
Take Five
Take Five pertenece al álbum de 1959 Time Out y se convirtió en uno de los discos más conocidos de The Dave Brubeck Quartet, vendió más de un millón de copias de aquellas. Esta canción instrumental, debido a su distintivo y contagioso saxofón y al empleo del compás inusual de 5/4 —de ahí viene el nombre de la canción—, tuvo una amplia aceptación comercial en los EE. UU. al llegar a la posición nº5 en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard. Ha sido incluida en innumerables películas y sintonías de televisión e incluso hoy en día sigue recibiendo bastante acogida en la radio.
Ha sido versionada multitud de veces, hasta con letra, como la grabada en 1961 por Dave Brubeck y su esposa Iola, cantada por Carmen McRae, recomiendo también la versión china de 12 Girls Band, ambas en el Bonus track. Tras la muerte de Desmond en 1977, éste ordenó ceder los derechos de sus composiciones a la Cruz Roja norteamericana, la cual ha recibido unos cien mil dólares al año
Tulsa Time
Perteneciente al LP “Backless”, publicado en 1979, y escrita por Danny Flowers. “Tulsa Time” empieza como un Boggie, con tintes Country, hasta que Clapton empieza a cantar la pegadiza melodía (que le copiaría Garth Brooks).
Je Veux
Es una vuelta a los sonidos de entreguerras que tenemos olvidados porque se grabaron en soportes de escasa calidad y con un timbre de voz que ahora nos resulta hasta un poco ridículo, pero eran tiempos donde los grandes poetas y compositores descubrieron el poder del gramófono y la radio, y nos dejaron perlas que merecen la pena ser revisadas y emuladas como es el caso de este tema de Zaz.
La cantante francesa es un ejemplo de constancia y de querer aprender el oficio desde abajo. Con veinte años consigue una beca para estudiar música moderna y al año siguiente empieza a recalar en varias bandas de jazz, blues, folk, recorriendo Francia y el norte de España, actividad que simultaneaba con ser corista de estudio. En 2010 lanzó su primer disco al mercado, en el que estaba esta canción, y que fue colando poco a poco en las listas galas, lo que le permite realizar una gira por toda Europa y Canadá. Sus conciertos son una mezcla de sus propias canciones y de versiones de sus intérpretes favoritos, atreviéndose con música en español que aprendió de su madre que es profesora de ese idioma.
La letra es una declaración vital de la cantante. Nos habla de cómo rechaza los valores materiales como el lujo, las posesiones o el servicio porque ella lo que quiere es el amor la felicidad y el buen humor. Plantea que el dinero no la hace feliz si no saber que morirá con la mano en el corazón. Y habla fuerte, come con las mano, y las buenas maneras se la traen tan al fresco como odia la hipocresía o las palabras vacías. Ella quiere ser así.
Maneras de vivir
Leño, formados en 1978 y tras un exitoso disco homónimo de debut, se pusieron en manos del productor y antiguo componente de Los Canarios, Teddy Bautista para grabar su segundo álbum, Más Madera (1980) pero el resultado no fue el esperado por Rosendo y los suyos ya que Bautista hizo lo que le dio la gana en la producción y remezcla de los temas, con demasiados arreglos de órgano que desvirtuaban el espíritu guitarrero de la banda. Por ello, y sabiendo que aún les quedaba otro disco más de contrato con Zafiro, Leño decidieron hacer lo que más les gustaba: un fabuloso disco en vivo titulado En Directo grabado en la sala Carolina de Madrid los días 25, 26 y 27 de marzo de 1981.
En ese mítico disco aparecieron cuatro temas inéditos grabados para la ocasión y estrenados en directo para los pocos privilegiados que pudieron asistir a los tres conciertos, entre ellas la grandiosa Maneras de Vivir ( que salio como single en una versión grabada previamente), un tema que según Rosendo Mercado no sabe ni cómo le salió de lo redondo que salió. Realmente es una canción acerca de sentirse diferente y estar a gusto con ese sentimiento, reforzando la idea con geniales frases como “No sé si estoy en lo cierto, lo cierto es que estoy aquí”, que calaron muchísimo en la gente joven y lo adoptaron como emblema de una generación como la de principios de los ochenta que tomó al rock por bandera
Esta excelsa canción, tiene el mérito de nunca haber pasado de moda, de seguir sonando actual , de representar los valores de la juventud, la personalidad, la libertad individual de cada uno y el disfrutar de cada momento que nos brinda la vida.
Maneras de Vivir es un chutazo de adrenalina rockera, con una cadencia que invita a mover la cabeza de adelante atrás sincopadamente, en honor de tres chavales de Carabanchel que consiguieron poner el rock en el lugar que se merecía.
Mustang Sally
"Mustang Sally" es una canción del cantante afroamericano Wilson Pickett, que fue publicada como single en 1966.
Con esta canción, la carrera de Pickett tomo aires de extrema popularidad y rápidamente la prensa lo catalogó como uno de los cantantes mas emblematicos del Soul que era el género musical del cual Wilson era un fanático y que trabaja día a día para perfecccionar su estilo.
Pero "Mustang Sally" ya había sido probada en los charts norteamericanos cuando su autor, Sir Mick Rice, la lanzó como single en 1965. Esta canción fue el debut en solitario de este cantante y compositor luego de formar parte del grupo vocal The Falcons. "Mustang Sally" se convirtió en el único hit que logró este aclamado artista, ya que llegó al puesto #15 del U.S. R&B charts en 1965
Rice escribió esta canción inspirado en una divertida conversación que tuvo con la actriz y cantante Della Reese en camerinos, previo a un concierto. En esa ocasión, Reese le comentó que el líder de su banda de apoyo se quería comprar un Ford Mustang del año.
Inspirado en las caracteristicas de esos lujosos autos, Rice decidió inventar una letra que cuente una historia de una chica que quiere vivir una vida salvaje a bordo de su Mustang. En la letra, el cantante le advierte a esa mujer "liberal" que tiene que reducir la velocidad sino su vida se irá de un "pestañazo".Cuando terminó de escribir la letra y la música, Rice tituló a su nueva canción como "Mustang Mama", pero al enseñarsela a su amiga Aretha Franklin, esta le dijo que mejor sonaba el titulo "Mustang Sally".Luego de ese detalle, la canción estaba lista para ser lanzada al público...
Un año despues aparece una nueva versión de la canción, esta vez en voz del gran Wilsson Picket,
"Mustang Sally", en voz de Pickett, logró entrar al puesto #6 del R&B y a la casilla #23 del Pop en 1966.
En el año 2004, la revista Rolling Stone colocó a la versión de Wilson Pickett en el puesto de #434 de su famoso ranking titulado: 500 Greatest Songs of All Time.
Smooth Operator
Sade tuteó con el éxito desde sus primeros singles y así ha llegado hasta la actualidad. Aquel ‘Smooth operator’ de 1984 hizo popular a una de las mejores voces femeninas del soul internacional de las últimas décadas, mediante una letra y un sonido que conducen a una atmósfera sumamente grata y cálida, aunque tal vez un poco tendente a la melancolía.La composición fue escrita dos años antes por la propia nigeriana radicada en Gran Bretaña y por Ray St. John, antiguo compañero de banda en Pride, el primer contacto de la Diosa de Ébano con la música. ‘Smooth operator’ es básicamente triste, pero como dice Sade «si la tristeza es bien tratada trae la felicidad».
‘Smooth Operator’ es una mezcla de pop, soul y jazz, inicialmente dirigida a un tipo de público muy específico. Pero las cifras demostraron que pese a ese destino elitista inicial realmente caló en todo tipo de amantes de la música, vendiendo más de cinco millones de copias en todo el planeta. Su medida lentitud recrea sin igual un ambiente de lujo estilístico basado en solos de saxofones que satisfacen cualquier espíritu instrumental, pianos, bajos y guitarras muy sutiles
La canción es una maravilla en sí misma desde su comienzo. Con una letra brillante y sutil. El ritmo es a la vez tan sensual como pegadizo.
‘Smooth Operator’ es un clásico que jamás dejará de sonar en las radios. Hace referencia a la forma de afrontar la vida de un hombre elegante que transita por las altas esferas de la sociedad encaramado a una total superioridad. Es muy popular con las damas y rompe muchos corazones en sus viajes. Pero jamás devuelve el afecto que le profesan las mujeres, porque su corazón es frío y vive amparado en la insensibilidad. Sade nos los cuenta mediante una mezcla elegante de rhythm & blues, jazz y soul de lujo.
Frio
Los autores fueron los componentes del grupo Alarma!!! (Manolo Tena, José Manuel Díaz y Jaime de Asúa) allá por el año 1984-5, incluido en su LP "En el lado oscuro" (Mercury).
Hideaway
Hideaway es uno de los grandes temas instrumentales del blues y se ha convertido ya en un standard que interpretan aficionados de todo el mundo. Freddie King fue el primer en grabarla incluida en su fantástico álbum instrumental Let’s Hide Away and Dance Away With Freddie King. Freddie King consiguió llevar la canción al número 5 en las listas de R&B y al número 29 en las listas de pop, algo que no había conseguido ningún artista de blues hasta el momento. El nombre de la canción proviene de Mel’s Hide Away Lounge, un club de blues del Chicago de aquella época.
Aunque en los créditos de la canción figuran Freddie King y Sonny Thomson (pianista), Freddie dijo en una entrevista que la canción provenía de Hound Dog Taylor. En efecto, Jake Harris, el armonicista de Magic Sam, dijo: “En aquellos tiempos, Sam y yo tocábamos en Mel’s Hideaway. De ahí viene el Hideaway de Freddie King. Nosotros se la quitamos a Hound Dog Taylor y Freddie King nos la quitó a nosotros. Solía ser nuestro tema, el tema de Magic Sam y Freddie solía venir y tocar con nosotros en jam hasta que aprendió la canción.”
En cualquier caso, el sonido cercano al R&B de Freddie King, su impecable buen gusto y solvencia como guitarrista y front-man, además del respaldo de su banda multirracial le convirtieron en una referencia escencial para el blues británico de los años 60. De hecho, los grandes guitarristas ingleses como Eric Clapton, Jeff Healey, Peter Green y Gary Moore hicieron su propia versión Hideaway. Pero además de cruzar el charco, la influencia de Freddie King afectó notablemente a otros grandes del blues nacidos en Texas como Stevie Ray Vaughan y Johnny Winter que también han interpretado Hideaway.
Because the night
La canción original fue grabada por Bruce Springsteen durante las sesiones de su álbum Darkness on the Edge of Town, aunque el músico no estaba satisfecho con ella. Patti Smith Group estaban trabajando en su álbum Easter en un estudio contiguo, y el ingeniero y productor Jimmy Iovine estaba trabajando en los dos álbumes. Iovine le dio a Smith una copia de la canción, ella la rehizo y se incluyó en Easter, convirtiéndose de hecho en el primer single de ese álbum.
A pesar de que nunca fue lanzada en ninguno de los álbumes de estudio de Springsteen, en los conciertos desde la gira correspondiente a Darkness on the Edge of Town a menudo la ha interpretado cantando su propia letra. La canción fue interpretada por primera vez en vivo (junto a Patti Smith) en Nueva York el 30 de diciembre de 1977. Hasta el lanzamiento de The Promise, el recopilatorio de 2010, que incluía la grabación original durante las sesiones de grabación de Darkness on the Edge of Town, la única grabación comercial lanzada de la versión de Springsteen estaba en el álbum en directo de 1986 Live/1975-85, donde Smith fue acreditada como co-guionista.
La fina
Posiblemente sean la mejor banda de rock de este pais. Con un sello particular e inconfundible, fueron los creadores de lo que se dió en denominar "rock urbano".
Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal fundaron Leño en el año 1978. Este último sería sustituido por Tony Urbano cuando estaban grabando su primer disco. Con sólo 4 discos de estudio y una vida efímera, se disolvieron en 1983 en lo más alto de su fama.
En el año 2000, Leño recibe recibe el premio a los mejores autores de rock por "La fina", canción que se encuentra en su último disco
Honky Tonk Woman
Honky Tonk Women es el single visagra entre la primera y segunda etapa de la carrera de The Rolling Stones. La inspiración le llegó a sus autores, Mick Jagger y Keith Richards, estando de vacaciones a finales de 1968 en Matão, Brasil (quizás he ahí el por qué de ese ritmo tan particular del cencerro). Se grabó en los Olympic Studios londinenses -con Jimmy Miller a la producción- en junio de 1969 y fue la primera canción inédita grabada con Mick Taylor a la guitarra slide. Brian Jones ya era historia y languidecía en su casa, Cotchford Farm. La alineación para estas sesiones fue la siguiente: Jagger a la voz, Richards a la guitarra solista/rítmica y coros, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería, Ian Stewart al piano, Jimmy Miller al cencerro, Steve Gregory y Bud Beadle a los vientos, Nanette Workman (acreditada como "Nanette Newman") y Doris Troy a los coros.
Se grabaron dos versiones. La primera fue la clásica, eléctrica, que terminó siendo lanzada como single el 4 de julio de 1969 en Inglaterra (11 de julio en América), con You Can't Always Get What You Want en la cara B, llegando al primer lugar en ambos lados del Atlántico. La segunda versión se retituló Country Honk, se grabó en un estilo más acústico/country y se incluyó en el elepé Let It Bleed. Los tres minutos de Honky Tonk Women son de los más emocionantes en la vida musical de la banda y abriría los años dorados de los Stones (hasta Goats Head Soup ).
Proud Mary
"Proud Mary” fue el primer gran éxito de los Creedence Clearwater Revival, una canción que aún perdura como uno de los temas míticos del rock. Escrita por John Fogerty, líder del grupo y excelente compositor, se lanzó como single el mes de enero de 1969 y fue incluida en el álbum LP “Bayou Country” de ese mismo año, alcanzando en muy pocas semanas el nº 2 en el top ten USA. Su historia, que en principio puede parecer relacionada con una chica, hace referencia al “Mary Elizabeth”, uno de aquellos barcos a vapor (“boat queen”) con grandes ruedas de paletas destinados a navegar desde New Orleans por todo el Mississippi. De ahí lo de “rolling on the river” de su estribillo que incluso les hizo pensar en titularla “Rollin’ down the river”, aunque al final se decidieron por “Proud Mary” en homenaje al barco que traslada desde la ciudad al protagonista en busca de trabajo.
“Proud Mary” es una canción mezcla de rock, country, blues, e incluso gospel, el estilo característico de Credence, con el típico riff de guitarra que aparece en muchos de sus temas y que el propio Fogerty ha reconocido estar muy influenciado por el gran guitarrista de soul y R&B Steve Cropper, famoso con su banda Booker T. & the M.G.’s y sobre todo con los legendarios The Blues Brothers
Creedence Clearwater Revival, una de las bandas que mejor logró fusionar el rock y el country, dominó la escena musical a finales de los 60. Su estilo de rock, en apariencia duro, le venía como anillo al dedo a un grupo cuya indumentaria (imagen y vestimenta) iba muy en consonancia. Corría el año 1969, aún en plena era hippie, y nuevos aires se empezaban a imponer.
Oh! Darling
Es el cuarto tema de la cara A de Abbey Road, el undécimo álbum y, para muchos, el mejor de The Beatles,
"Oh! Darling" era una canción que Paul McCartney llevaba en mente desde hacía bastante tiempo y a la que pretendía imprimir la progresión armónica, el ritmo y la melodía típicos de muchos de los temas doo-wop de los años 50's que tanto le influenciaron a él como al resto de cuarteto en su adolescencia. Conforme la iba componiendo, el estilo de la canción se impregnaba más y más de aquellas viejas grabaciones y los sonidos de los primeros acordes que aprendieron para conseguir que con sus guitarras y voces sonaran lo mas parecido posible a las versiones originales.
Muchos años después de la separación del grupo, Paul confesó en una entrevista que su idea en 1969 era que la voz que interpretara "Oh! Darling", fuera áspera y ruda, mas o menos como la de alguien que "hubiera estado cantando sobre el escenario toda una semana". Sin embargo, tras muchos años de abusar y forzar sus cuerdas vocales (en sus inicios, Paul era capaz de imitar de un modo bastante creíble la voz de Little Richard) el registro de McCartney ya no le permitía llegar al resultado deseado. "Hace cinco años, esto lo hubiera cantado en una sola toma", diría Paul en 1969 aludiendo a la facilidad con que cantaba tan desgarradamente en sus inicios.
Hay abundantes testimonios que enfatizan en el titánico esfuerzo con que McCartney trabajó su voz para este tema. Se presentaba en el estudio una hora antes que los demás y calentaba la garganta, rompiéndola poco a poco hasta rozar los límites. Llegó a grabar hasta 26 tomas de la canción en una incansable búsqueda de la tonalidad adecuada, hasta que el 20 de Abril (con Paul al bajo y voz, John al piano y voces, Ringo Starr a la percusión y George Harrison con la guitarra, sintetizador y voces) se dio por buena la toma definitiva de la que Paul se sintió orgulloso y Lennon no llegó a estar satisfecho por haberle ofendido queMcCartney no le dejara grabar la canción como solista siendo que el tema que le iba mucho más a su registro
My Baby Just Cares for Me
En 1987 una conocida marca de moda usó “My Baby Just Cares for Me”, en la versión de Nina Simone, para un anuncio de uno de sus perfumes y la canción se convirtió en un éxito, llegando a ser número de ventas en varios países. Nina Simone la había grabado en 1958 para su álbum Little Girl Blue. Antes de que se relanzara la versión de Nina Simone y se disparara el éxito, la canción había sido grabada también por otros como Frank Sinatra, Mel Tormé, Nat King Cole o Julie London.Será, no obstante, a partir de 1987 que se multiplicarán las versiones y grabaciones, sobre todo por parte de cantantes y grupos de jazz. “My Baby Just Cares for Me” ha formado parte de la banda sonora de algunas películas, como la que dirigió en 1996 Bernardo Bertolucci Stealing Beauty (Belleza robada), con la versión de Nina Simone.Apache
The Shadows, una de las formaciones más influyentes en el pop y el rock hecho con anterioridad a los Beatles, apareció en escena a finales de la década de los cincuenta, con los nombres iniciales de The Drifters y de Cliff Richard & The Drifters. La historia de The Shadows va ligada a la de Cliff Richard, pero podría decirse que también desarrollaron su propia carrera paralela como banda instrumental. El cuarteto original estaba compuesto por el bajista Jet Harris, el batería Tony Meehan y los guitarristas Bruce Welch y Hank Marvin, éste último uno de los primeros virtuosos de la guitarra eléctrica aplicada al rock, un innovador y, en gran medida, el responsable de ese sonido tan característico que salía de su Fender Stratocaster. El primer gran éxito de The Shadows, y con el paso del tiempo su tema más representativo, fue “Apache”, un tema instrumental compuesto Jerry Lordan como homenaje a la película del mismo nombre protagonizada por Burt Lancaster y dirigida por Robert Aldrich. Inicialmente fue grabada por el guitarrista británico Bert Weedon, aunque su trabajo apenas tuvo repercusión; algunos meses después, a raíz de escuchársela tocar a su autor al ukelele, los Shadows deciden grabarla en los estudios Abbey Road de Londres, con una serie de adaptaciones y mejoras realizadas por los miembros del grupo; además del cuarteto clásico, también intervino en la grabación el propio Cliff Richard, tocando un tambor indígena que contribuía a proporcionar ese ambiente de western indio tan acertadamente retratado en este clásico del rock instrumental
Black Magic Woman
Es una canción de la banda británica Fleetwood Mac, que fue escrita por el guitarrista Peter Green y publicado en 1968 como sencillo a través de Blue Horizon Records para el Reino Unido y en 1969 por Epic Records para los Estados Unidos. Alcanzó el puesto 37 en los UK Singles Chart, convirtiéndose así en el primer sencillo de la agrupación en entrar en dicha lista
En 1969 se incluyó en el álbum recopilatorio English Rose del cual se extrajo para promocionarlo en los Estados Unidos. Desde entonces ha sido incluido en diversos recopilatorios de la banda.
Con el pasar de los años ha sido versionado por otros artistas como Gary Hoey en 1996 en el disco Bug Alley, también Snowy White exguitarrista de Thin Lizzy lo grabó para su disco The Way It Is de 2005. Sin embargo, una de las versiones más recordadas es la que realizó Santana en 1970
En 1970, Santana la versionó para su álbum Abraxas publicado en el mismo año. Esta contó con más arreglos instrumentales que la original y a su vez fue más exitosa, ya que alcanzó el puesto 4 en la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos en 1971.
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