Soul Finger

"Soul Finger" es una canción de la banda de R&B The Bar-Kays, que fue lanzada como single el 14 de Abril de 1967, conviertiendose rápidamente en su primer hit mundial y en una de sus melodías mas reconocidas con el paso de los años.
Esta banda estadounidense, que debe su nombre al ron Bacardi, se caracterizaba por hacer música simple y bailable. Además esta banda estaba formada por seis músicos de sesión que ya tenían harto rodaje dentro de la escena musical norteamericana.
"Soul Finger" fue un hit en Estados Unidos, llegando al tercer puesto del Billboard Black Singles chart y a la casilla #17 del Billboard Hot 100.
  Las radios y la televisión no paraban de colocar la melodía de “Soul Finger” y la popularidad de la banda estaba en los cielos. Meses despues, la banda daba una gran noticia a sus fans: Serian la banda de apoyo en la gira de su gran amigo Otis Redding, que por esos años era grito y plata dentro del Soul. De hecho el músico era considerado el Rey del Soul.
  Cuando todo pintaba para que fuera todo un suceso musical esa mezcla entre Redding y los Bar-Kays ocurrió un suceso que cambiaría la historia de los artistas y del Soul. Es que l a mañana del 10 de diciembre de 1967, en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), después de un brutal accidente del avión que los transportaba, perdieron la vida el gran Otis Redding junto a otros 4 miembros de The Bar-Keys.
  Si bien, ese trágico suceso marcó a la banda y a los fanáticos del Soul, los Bar-Kays se levantaron del suelo y siguieron tocando y sacando hits, pero siempre guardaban un especial cariño por "Soul Finger", que fue la canción que le mostró la gloria y a la vez los dejó marcado por el resto de sus vidas como una banda que quedó en la historia de la música popular.

Hotel California

  «Hotel California» se ha convertido en el tema más emblemático de los Eagles, el que les convirtió definitivamente en superestrellas del rock, aunque, como grupo que ha vendido más de 120 millones de discos, poseen bastantes canciones que perviven en la mente de varias generaciones de admiradores.
  El álbum salió a la venta en diciembre de 1976, y el single el 13 de marzo de 1977. Este último llegó a despachar más de un millón de copias y alcanzó el número uno en Estados Unidos
Su letra la ha convertido en una de las canciones que más interpretaciones ha suscitado. Y es que el argumento, bastante inquietante, nos puede recordar a la película «Abierto hasta el amanecer». Escrita en primera persona, nos habla de la llegada a un hotel en medio del desierto, y tras cruzar su puerta, la primera conclusión es que «esto podría ser el cielo o el infierno».
  Existen múltiples interpretaciones: que si se refieren a la degradación de California o al menos de su alta sociedad, a la depravada vida del músico de rock, que si se trata de una iglesia satánica donde va a tener un sangriento ritual (el narrador pide vino pero le dicen que no hay desde 1969, cuando el vino tiene esa connotación sagrada), que si se escuchan extraños mensajes si se escucha al revés... incluso se dice que en realidad el Hotel California se refiere a un psiquiátrico de Camarillo (California) que así se hacía llamar y que existió entre 1936 y 1997, y que se convirtió en un lugar de pesadilla para todo aquel que fuera un poco «raro: alcohólicos, drogadictos, enfermos mentales, inmigrantres despistados o adolescentes descarriados.
  Esta mítica canción tampoco estuvo exenta de polémica, y es que tiene un parecido razonable con «We Used To Know», canción de Jethro Tull grabada en 1969. La banda de Ian Anderson fue telonera de los Eagles, lo cual añade un matiz sospechoso. Sin embargo, el mismo flautista y cantante del grupo quitó hierro al asunto: «Quizá tomaron inconscientemente algo, e introdujeron esa secuencia de acordes en su famosa canción "Hotel California".

Wonderful tonight

"Wonderful Tonight"es una canción del famoso músico íngles Eric Clapton. Pertenece al disco Slowhand de 1977, que es uno de los mejores discos de este gran guitarrista, donde resaltan varias canciones que ya son tachadas de clásicas
  El single de esta delicada balada fue lanzado recien en 1978 y fue un gran éxito en ventas, ayudando aún más a la popularidad del impresionante disco.
 Esta balada es de las mejores composiciones de Clapton en su etapa setentera. La inspiración y dedicación de esta romantica pieza fue para Pattie Boyd, quien era su novia por ese entonces. Boyd era novia de George Harrison hasta que conoció al mejor amigo del ex-Beatle y decidió irse por el fácil y peligroso camino de la infidelidad y los engaños en una relación amorosa marcada por la lucha de egos entre esos dos pesos pesados del rock que le dedicaron grandes canciones a la figura de esta hermosa joven. Ejemplos claros fueron Something y "For Your Blue" de Harrison, mientras que Clapton le regaló los versos de "Layla" y "Wonderfull Tonight" . Todo esto fue corroborado años despues en el libro autobiográfico de Pattie Boyd titulado Wonderful Tonight: George Harrison, Eric Clapton, and Me.  
  "Wonderfull Tonight" fue escrita en 1976 por Clapton mientras esperaba impaciente que Patti Boyd se arreglara y maquillara para asistir a un tributo de Buddy Holly donde Clapton compartiría escenario junto a Paul McCartney.
  En una entrevista con el periodico The Guardian en 2008, Pattie Boyd recordó que Clapton "estaba sentado a mi lado tocando su guitarra, mientras yo trataba de elegir un vestido para llevar al show. Al parecer ya llevaba harto rato en eso, mas encima no estaba a gusto de mi peinado, mi ropa, todo, asi que en ese rato Eric me grita "¡Escucha esto!" y empezó a tocar los acordes de esta canción que la habia compuesto mientras yo me arreglaba..."
  Musicalmente es una canción notable, llena de magia en los riffs de guitarra y con un sonido blues muy delicado y cuidado casi a la perfección. Además Clapton se dió el lujo de colocar algo mas "pop" en esta canción y eso le jugó a favor, ya que se estaba desligando un poco del rock sesentero del cual fue protagonista principal y pudo dar cuenta a su publico que tambien estaba para sonidos actuales en sus discos y eso se nota en sus posteriores publicaciones discograficas.

Gravity

  John Mayer es un joven cantante y guitarrista estadounidense que ha ido evolucionando desde sus comienzos hasta convertirse en uno de los músicos más interesantes del panorama actual. Comenzó su carrera tocando pop y rock acústico y ha ido acercándose poco a poco hacia el género de blues colaborando con grandes estrellas como Eric Clapton, B.B. King o Buddy Guy, y formando el John Mayer Trio. La influencia del blues es patente en su álbum Continuum, lanzado en septiembre de 2006. Ganó el premio Grammy en la categoría de mejor álbum vocal pop por Continuum y mejor interpretación vocal pop masculina por "Waiting on the World to Change" a su album "Continuum", Gravity es una magnífica balada a ritmo de blues con una frescura y una originalidad extraordinaria y que suena de maravilla.

Tal para cual


 
En 1991 Luz Casal alcanza la cúspide de su aventura creativa. Tiene 33 años recién cumplidos cuando en noviembre publica “A contraluz”. Quizá a muchos no les suene este disco, pero la cosa cambia si añado que es el elepé en el que anida ‘Piensa en mí’. Este megaéxito, hipertrofiado por su participación en la película “Tacones lejanos” de Pedro Almodóvar, eclipsó todo el resto del álbum.
  El destino confabuló para que el disco más rockero en el árbol discográfico de Luz Casal se resuma como el trabajo en el que se hospedan los boleros ‘Piensa en mí’ y ‘Un año de amor’,‘
  Pero “A contraluz” abrigaba muchas canciones de altísimo nivel inmerecidamente subestimadas por culpa del destello cegador de ‘Piensa en mí’. Temas muy rockeros. Auténticas cargas de dinamita sonora.
  "Tal para cual’, vuelve a mostrar a una Luz rockera y con ganas de pelea en un didáctico texto firmado por Carmen Santoja. La Vainica Doble nos relata la sequedad pasional y el desgaste súbito que les ha provocado a dos personas arrogantes y proclives a la irascibilidad habitar el costumbrista hogar tras legalizar su amor. Canción pedagógica para los que confunden amor y convivencia.

San-Ho-Zay

  Con un estilo aspero Freddie King fue un guitarrista que se abrió paso en el blues a través de la influencia del gran T-Bone Walker, una figura indiscutible de esta corriente musical y autor de inolvidables himnos como “Hideaway”, “The Stumble” y “San-Ho-Zay”, todos ellos instrumentales algo inimaginable para esa época en la que tenia que compartir carteles con los otros Kings (Albert y B.B.).
  Rey absoluto del sustain (dar una nota y que quede sonando sola y de forma definida ) que provoco la adoración de Vaughan, Green y el mismísimo Clapton (que ha llegado a imitar su voz en mas de una oportunidad) llego a Chicago a principios de los 50 y se rodeo de gente como Eddie Taylor, Robert Lockwood, Magic Sam y Otis Rush aportando su cuota tejana al incipiente blues eléctrico por ese entonces .

Moonflower

"Moonflower” es un álbum doble en vivo de 1977 por Santana. Las características de grabación en estudio y en vivo, se intercalan entre sí en todo el álbum. Se considera el favorito de los fans, y es quizá el álbum en vivo más popular del grupo, ya que “Lotus” no recibió una edición en EE.UU. hasta comienzos del decenio de 1990. Muestra una mezcla entre fusión latina y estilos de blues-rock de finales de los sesenta y comienzos de los setenta. Fue grabado durante la gira de apoyo al álbum “Festival”, por lo que muestra una similar mezcla de estilo, y muchas de las canciones del álbum se muestran aquí 
Una versión de “She's Not There” de Zombies de mediados de los años 60 fue lanzada como single y llego al # 27. La canción fue la primera grabación de Santana en alcanzar el Top 40 de las listas de Billboard desde “No One to Depend On” que llegó al # 36 en 1972. El álbum alcanzó el # 10 en Billboard y fue disco de  platino
  Es curiosa su historia pues en principio solo se escuchaba por las radios, después sacaron el LP de "Moonflower", curiosamente el mismo titulo en ingles de flor de luna, pero no iba el tema incluido en su interior; eso dio muchos quebraderos de cabeza y muchos fans se sintieron decepcionados; pero si incluía los temas "Europa", "Black magic woman". Por eso sacaron aparte un single con el tema flor de luna 

Sleepwalk

 
  La canción instrumental "Sleep walk" fue compuesta a finales de la década de 1950 por el dueto formado por los hermanos Santo y Johnny Farina, neoyorkinos de origen italiano. Inicialmente el título de la canción era "Deep sleep", y en ese tiempo la interpretaban en un trío que habían formado con su tío Mike Dee, llamado Mike Dee & The Mello Tones. Al poco tiempo, siguieron sin Mike Dee, llamándose ahora Santo & Johnny. "Sleep walk" fue su primer disco, grabado en 1959, y de inmediato se convirtió en un gran éxito, mismo que nunca lograron igualar en posteriores discos. 
  En 1987, la canción fue utilizada como parte de la banda sonora de la película "La Bamba", basada en la vida del malogrado rockero Ritchie Valens. Sin embargo, la muerte de Valens ocurrió en febrero de 1959 (el famoso The day the music died, citado en la canción "American pie" de Don McLean), mientras que "Sleep walk" fue publicada en agosto del mismo año. 
  Otro dato curioso de esta canción: aunque la versión de Santo & Johnny es instrumental, la composición original incluía letra. El mismo año en que apareció la versión de los autores, Betsy Brye grabó otra donde sí se incluye la letra.

Autumn Leaves

  Autumn Leaves es una de esas maravillosas e inmortales canciones que todo gran artista quisiera tener en su repertorio. Originalmente se trataba de una canción francesa de 1945 titulada Les feuilles mortes (Las hojas muertas). La música original del tema le pertenece al compositor húngaro-francés Joseph Kosma y su letra en francés fue escrita por el poeta Jacques Prévert. J). Un año mas tarde, la versión francesa de la canción aparece en la película "Las puertas de la noche" donde es interpretada por Yves Montand y Irène Joachim.
  Otro año mas tarde el compositor estadounidense Johnny Mercer escribió la letra en inglés y se la presento a la recién descubierta Jo Stafford que sin pensárselo dos veces acepto el reto de dar a conocer mundialmente lo que hoy día es una de las canciones mas versionadas de la historia. Otras versiones notables de Autumn Leaves que merecen especial mención son las de Edith Piaf, Frank Sinatra, Eric Clapton, una muy peculiar de Iggy Pop y una memorable de Nat King Cole para la película Autumn Leaves(1956).
  Sin embargo es en 1955 cuando Autumn Leaves versionada por Roger Williams se convierte en la primera y ultima canción para piano que llega al n.º 1 en Estados Unidos.

Take Five

  Take Five pertenece al álbum de 1959 Time Out y se convirtió en uno de los discos más conocidos de The Dave Brubeck Quartet, vendió más de un millón de copias de aquellas. Esta canción instrumental, debido a su distintivo y contagioso saxofón y al empleo del compás inusual de 5/4 —de ahí viene el nombre de la canción—, tuvo una amplia aceptación comercial en los EE. UU. al llegar a la posición nº5 en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard. Ha sido incluida en innumerables películas y sintonías de televisión e incluso hoy en día sigue recibiendo bastante acogida en la radio. 
  Ha sido versionada multitud de veces, hasta con letra, como la grabada en 1961 por Dave Brubeck y su esposa Iola, cantada por Carmen McRae, recomiendo también la versión china de 12 Girls Band, ambas en el Bonus track. Tras la muerte de Desmond en 1977, éste ordenó ceder los derechos de sus composiciones a la Cruz Roja norteamericana, la cual ha recibido unos cien mil dólares al año

Tulsa Time

  Perteneciente al LP “Backless”, publicado en 1979, y escrita por Danny Flowers. “Tulsa Time” empieza como un Boggie, con tintes Country, hasta que Clapton empieza a cantar la pegadiza melodía (que le copiaría Garth Brooks).

Je Veux

  Es una vuelta a los sonidos de entreguerras que tenemos olvidados porque se grabaron en soportes de escasa calidad y con un timbre de voz que ahora nos resulta hasta un poco ridículo, pero eran tiempos donde los grandes poetas y compositores descubrieron el poder del gramófono y la radio, y nos dejaron perlas que merecen la pena ser revisadas y emuladas como es el caso de este tema de Zaz.
  La cantante francesa es un ejemplo de constancia y de querer aprender el oficio desde abajo. Con veinte años consigue una beca para estudiar música moderna y al año siguiente empieza a recalar en varias bandas de jazz, blues, folk, recorriendo Francia y el norte de España, actividad que simultaneaba con ser corista de estudio. En 2010 lanzó su primer disco al mercado, en el que estaba esta canción, y que fue colando poco a poco en las listas galas, lo que le permite realizar una gira por toda Europa y Canadá. Sus conciertos son una mezcla de sus propias canciones y de versiones de sus intérpretes favoritos, atreviéndose con música en español que aprendió de su madre que es profesora de ese idioma. 
  La letra es una declaración vital de la cantante. Nos habla de cómo rechaza los valores materiales como el lujo, las posesiones o el servicio porque ella lo que quiere es el amor la felicidad y el buen humor. Plantea que el dinero no la hace feliz si no saber que morirá con la mano en el corazón. Y habla fuerte, come con las mano, y las buenas maneras se la traen tan al fresco como odia la hipocresía o las palabras vacías. Ella quiere ser así.

Maneras de vivir


 Una de las más grandes canciones de nuestra música, una de las sintonías imprescindibles de los mejores años ochenta, paradigma del rock urbano y del heavy metal patrio, a cargo de una de las bandas más reputadas, reconocidas y alabadas de todas las que han pisado escenarios en este país. Estamos hablando de la banda formada en 1978 por Rosendo Mercado a la voz y guitarra junto al bajista Tony Urbano y al batería Ramiro Peñas, bautizada como Leño ( nombre que viene de los despectivos comentarios del líder de Ñu hacia las letras que componía Rosendo en esa banda) y que logró escribir unas de las más bellas páginas de nuestro rock por momentos inolvidables como su canción más emblemática: Maneras de Vivir.
  Leño, formados en 1978 y tras un exitoso disco homónimo de debut, se pusieron en manos del productor y antiguo componente de Los Canarios, Teddy Bautista para grabar su segundo álbum, Más Madera (1980) pero el resultado no fue el esperado por Rosendo y los suyos ya que Bautista hizo lo que le dio la gana en la producción y remezcla de los temas, con demasiados arreglos de órgano que desvirtuaban el espíritu guitarrero de la banda. Por ello, y sabiendo que aún les quedaba otro disco más de contrato con Zafiro, Leño decidieron hacer lo que más les gustaba: un fabuloso disco en vivo titulado En Directo grabado en la sala Carolina de Madrid los días 25, 26 y 27 de marzo de 1981.
En ese mítico disco aparecieron cuatro temas inéditos grabados para la ocasión y estrenados en directo para los pocos privilegiados que pudieron asistir a los tres conciertos, entre ellas la grandiosa Maneras de Vivir ( que salio como single en una versión grabada previamente), un tema que según Rosendo Mercado no sabe ni cómo le salió de lo redondo que salió. Realmente es una canción acerca de sentirse diferente y estar a gusto con ese sentimiento, reforzando la idea con geniales frases como “No sé si estoy en lo cierto, lo cierto es que estoy aquí”, que calaron muchísimo en la gente joven y lo adoptaron como emblema de una generación como la de principios de los ochenta que tomó al rock por bandera 
  Esta excelsa canción, tiene el mérito de nunca haber pasado de moda, de seguir sonando actual , de representar los valores de la juventud, la personalidad, la libertad individual de cada uno y el disfrutar de cada momento que nos brinda la vida.
Maneras de Vivir es un chutazo de adrenalina rockera, con una cadencia que invita a mover la cabeza de adelante atrás sincopadamente, en honor de tres chavales de Carabanchel que consiguieron poner el rock en el lugar que se merecía.

Mustang Sally



"Mustang Sally" es una canción del cantante afroamericano Wilson Pickett, que fue publicada como single en 1966.
Con esta canción, la carrera de Pickett tomo aires de extrema popularidad y rápidamente la prensa lo catalogó como uno de los cantantes mas emblematicos del Soul que era el género musical del cual Wilson era un fanático y que trabaja día a día para perfecccionar su estilo.
  Pero "Mustang Sally" ya había sido probada en los charts norteamericanos cuando su autor, Sir Mick Rice, la lanzó como single en 1965. Esta canción fue el debut en solitario de este cantante y compositor luego de formar parte del grupo vocal The Falcons. "Mustang Sally" se convirtió en el único hit que logró este aclamado artista, ya que llegó al puesto #15 del U.S. R&B charts en 1965
  Rice escribió esta canción inspirado en una divertida conversación que tuvo con la actriz y cantante Della Reese en camerinos, previo a un concierto. En esa ocasión, Reese le comentó que el líder de su banda de apoyo se quería comprar un Ford Mustang del año.
  Inspirado en las caracteristicas de esos lujosos autos, Rice decidió inventar una letra que cuente una historia de una chica que quiere vivir una vida salvaje a bordo de su Mustang. En la letra, el cantante le advierte a esa mujer "liberal" que tiene que reducir la velocidad sino su vida se irá de un "pestañazo".Cuando terminó de escribir la letra y la música, Rice tituló a su nueva canción como "Mustang Mama", pero al enseñarsela a su amiga Aretha Franklin, esta le dijo que mejor sonaba el titulo "Mustang Sally".Luego de ese detalle, la canción estaba lista para ser lanzada al público...
  Un año despues aparece una nueva versión de la canción, esta vez en voz del gran Wilsson Picket, 
"Mustang Sally", en voz de Pickett, logró entrar al puesto #6 del R&B y a la casilla #23 del Pop en 1966.
  En el año 2004, la revista Rolling Stone colocó a la versión de Wilson Pickett en el puesto de #434 de su famoso ranking titulado: 500 Greatest Songs of All Time.

Smooth Operator


  Sade tuteó con el éxito desde sus primeros singles y así ha llegado hasta la actualidad. Aquel ‘Smooth operator’ de 1984 hizo popular a una de las mejores voces femeninas del soul internacional de las últimas décadas, mediante una letra y un sonido que conducen a una atmósfera sumamente grata y cálida, aunque tal vez un poco tendente a la melancolía.
  La composición fue escrita dos años antes por la propia nigeriana radicada en Gran Bretaña y por Ray St. John, antiguo compañero de banda en Pride, el primer contacto de la Diosa de Ébano con la música. ‘Smooth operator’ es básicamente triste, pero como dice Sade «si la tristeza es bien tratada trae la felicidad».
  ‘Smooth Operator’ es una mezcla de pop, soul y jazz, inicialmente dirigida a un tipo de público muy específico. Pero las cifras demostraron que pese a ese destino elitista inicial realmente caló en todo tipo de amantes de la música, vendiendo más de cinco millones de copias en todo el planeta. Su medida lentitud recrea sin igual un ambiente de lujo estilístico basado en solos de saxofones que satisfacen cualquier espíritu instrumental, pianos, bajos y guitarras muy sutiles
  La canción es una maravilla en sí misma desde su comienzo. Con una letra brillante y sutil. El ritmo es a la vez tan sensual como pegadizo.
  ‘Smooth Operator’ es un clásico que jamás dejará de sonar en las radios. Hace referencia a la forma de afrontar la vida de un hombre elegante que transita por las altas esferas de la sociedad encaramado a una total superioridad. Es muy popular con las damas y rompe muchos corazones en sus viajes. Pero jamás devuelve el afecto que le profesan las mujeres, porque su corazón es frío y vive amparado en la insensibilidad. Sade nos los cuenta mediante una mezcla elegante de rhythm & blues, jazz y soul de lujo.

Frio

  El tema "Frío", así como el grupo Alarma!!!, son considerados dentro del rock hispano como una venerable referencia del buen hacer. "Frío" tiene una música impecable y una lírica que refleja, como ninguna otra, el sentimiento de desilusión y desesperanza que sucede cuando se caen los modelos aprendidos, entonces se inicia una devastadora crisis ante la cual o te destruyes o surges como un ave fénix. Una letra que sólo pueden entender en profundidad aquellos que, como se suele decir, 'han tocado fondo'.
  Los autores fueron los componentes del grupo Alarma!!!  (Manolo Tena, José Manuel Díaz y Jaime de Asúa) allá por el año 1984-5, incluido en su LP "En el lado oscuro" (Mercury).

Hideaway

Freddy King - Let's Hide Away and Dance Away With Freddy King
Hideaway es uno de los grandes temas instrumentales del blues y se ha convertido ya en un standard que interpretan aficionados de todo el mundo. Freddie King fue el primer en grabarla incluida en su fantástico álbum instrumental Let’s Hide Away and Dance Away With Freddie King. Freddie King consiguió llevar la canción al número 5 en las listas de R&B y al número 29 en las listas de pop, algo que no había conseguido ningún artista de blues hasta el momento. El nombre de la canción proviene de Mel’s Hide Away Lounge, un club de blues del Chicago de aquella época. 
  Aunque en los créditos de la canción figuran Freddie King y Sonny Thomson (pianista), Freddie dijo en una entrevista que la canción provenía de Hound Dog Taylor. En efecto, Jake Harris, el armonicista de Magic Sam, dijo: “En aquellos tiempos, Sam y yo tocábamos en Mel’s Hideaway. De ahí viene el Hideaway de Freddie King. Nosotros se la quitamos a Hound Dog Taylor y Freddie King nos la quitó a nosotros. Solía ser nuestro tema, el tema de Magic Sam y Freddie solía venir y tocar con nosotros en jam hasta que aprendió la canción.”
  En cualquier caso, el sonido cercano al R&B de Freddie King, su impecable buen gusto y solvencia como guitarrista y front-man, además del respaldo de su banda multirracial le convirtieron en una referencia escencial para el blues británico de los años 60. De hecho, los grandes guitarristas ingleses como Eric Clapton, Jeff Healey, Peter Green y Gary Moore hicieron su propia versión Hideaway. Pero además de cruzar el charco, la influencia de Freddie King afectó notablemente a otros grandes del blues nacidos en Texas como Stevie Ray Vaughan y Johnny Winter que también han interpretado Hideaway.

Because the night



  La canción original fue grabada por Bruce Springsteen durante las sesiones de su álbum Darkness on the Edge of Town, aunque el músico no estaba satisfecho con ella. Patti Smith Group estaban trabajando en su álbum Easter en un estudio contiguo, y el ingeniero y productor Jimmy Iovine estaba trabajando en los dos álbumes. Iovine le dio a Smith una copia de la canción, ella la rehizo y se incluyó en Easter, convirtiéndose de hecho en el primer single de ese álbum.
  A pesar de que nunca fue lanzada en ninguno de los álbumes de estudio de Springsteen, en los conciertos desde la gira correspondiente a Darkness on the Edge of Town a menudo la ha interpretado cantando su propia letra. La canción fue interpretada por primera vez en vivo (junto a Patti Smith) en Nueva York el 30 de diciembre de 1977. Hasta el lanzamiento de The Promise, el recopilatorio de 2010, que incluía la grabación original durante las sesiones de grabación de Darkness on the Edge of Town, la única grabación comercial lanzada de la versión de Springsteen estaba en el álbum en directo de 1986 Live/1975-85, donde Smith fue acreditada como co-guionista.

La fina


  Posiblemente sean la mejor banda de rock de este pais. Con un sello particular e inconfundible, fueron los creadores de lo que se dió en denominar "rock urbano". 
  Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Chiqui Mariscal fundaron Leño en el año 1978. Este último sería sustituido por Tony Urbano cuando estaban grabando su primer disco. Con sólo 4 discos de estudio y una vida efímera, se disolvieron en 1983 en lo más alto de su fama. 
  En el año 2000, Leño recibe recibe el premio a los mejores autores de rock por "La fina", canción que se encuentra en su último disco

Honky Tonk Woman


  Honky Tonk Women es el single visagra entre la primera y segunda etapa de la carrera de The Rolling Stones. La inspiración le llegó a sus autores, Mick Jagger y Keith Richards, estando de vacaciones a finales de 1968 en Matão, Brasil (quizás he ahí el por qué de ese ritmo tan particular del cencerro). Se grabó en los Olympic Studios londinenses -con Jimmy Miller a la producción- en junio de 1969 y fue la primera canción inédita grabada con Mick Taylor a la guitarra slide. Brian Jones ya era historia y languidecía en su casa, Cotchford Farm. La alineación para estas sesiones fue la siguiente: Jagger a la voz, Richards a la guitarra solista/rítmica y coros, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería, Ian Stewart al piano, Jimmy Miller al cencerro, Steve Gregory y Bud Beadle a los vientos, Nanette Workman (acreditada como "Nanette Newman") y Doris Troy a los coros. 
  Se grabaron dos versiones. La primera fue la clásica, eléctrica, que terminó siendo lanzada como single el 4 de julio de 1969 en Inglaterra (11 de julio en América), con You Can't Always Get What You Want en la cara B, llegando al primer lugar en ambos lados del Atlántico. La segunda versión se retituló Country Honk, se grabó en un estilo más acústico/country y se incluyó en el elepé Let It Bleed. Los tres minutos de Honky Tonk Women son de los más emocionantes en la vida musical de la banda y abriría los años dorados de los Stones (hasta Goats Head Soup ). 

Proud Mary



  "Proud Mary” fue el primer gran éxito de los Creedence Clearwater Revival, una canción que aún perdura como uno de los temas míticos del rock. Escrita por John Fogerty, líder del grupo y excelente compositor, se lanzó como single el mes de enero de 1969 y fue incluida en el álbum LP “Bayou Country” de ese mismo año, alcanzando en muy pocas semanas el nº 2 en el top ten USA. Su historia, que en principio puede parecer relacionada con una chica, hace referencia al “Mary Elizabeth”, uno de aquellos barcos a vapor (“boat queen”) con grandes ruedas de paletas destinados a navegar desde New Orleans por todo el Mississippi. De ahí lo de “rolling on the river” de su estribillo que incluso les hizo pensar en titularla “Rollin’ down the river”, aunque al final se decidieron por “Proud Mary” en homenaje al barco que traslada desde la ciudad al protagonista en busca de trabajo. 
  “Proud Mary” es una canción mezcla de rock, country, blues, e incluso gospel, el estilo característico de Credence, con el típico riff de guitarra que aparece en muchos de sus temas y que el propio Fogerty ha reconocido estar muy influenciado por el gran guitarrista de soul y R&B Steve Cropper, famoso con su banda Booker T. & the M.G.’s y sobre todo con los legendarios The Blues Brothers
  Creedence Clearwater Revival, una de las bandas que mejor logró fusionar el rock y el country, dominó la escena musical a finales de los 60. Su estilo de rock, en apariencia duro, le venía como anillo al dedo a un grupo cuya indumentaria (imagen y vestimenta) iba muy en consonancia. Corría el año 1969, aún en plena era hippie, y nuevos aires se empezaban a imponer.

Oh! Darling

  Es el cuarto tema de la cara A de Abbey Roadel undécimo álbum y, para muchos, el mejor de The Beatles
  "Oh! Darling" era una canción que Paul McCartney llevaba en mente desde hacía bastante tiempo y a la que pretendía imprimir la progresión armónica, el ritmo y la melodía típicos de muchos de los temas doo-wop de los años 50's que tanto le influenciaron a él como al resto de cuarteto en su adolescencia. Conforme la iba componiendo, el estilo de la canción se impregnaba más y más de aquellas viejas grabaciones y los sonidos de los primeros acordes que aprendieron para conseguir que con sus guitarras y voces sonaran lo mas parecido posible a las versiones originales.
  Muchos años después de la separación del grupo, Paul confesó en una entrevista que su idea en 1969 era que la voz que interpretara "Oh! Darling", fuera áspera y ruda, mas o menos como la de alguien que "hubiera estado cantando sobre el escenario toda una semana". Sin embargo, tras muchos años de abusar y forzar sus cuerdas vocales (en sus inicios, Paul era capaz de imitar de un modo bastante creíble la voz de Little Richard) el registro de McCartney ya no le permitía llegar al resultado deseado. "Hace cinco años, esto lo hubiera cantado en una sola toma", diría Paul en 1969 aludiendo a la facilidad con que cantaba tan desgarradamente en sus inicios. 
  Hay abundantes testimonios que enfatizan en el titánico esfuerzo con que McCartney trabajó su voz para este tema. Se presentaba en el estudio una hora antes que los demás y calentaba la garganta, rompiéndola poco a poco hasta rozar los límites. Llegó a grabar hasta 26 tomas de la canción en una incansable búsqueda de la tonalidad adecuada, hasta que el 20 de Abril (con Paul al bajo y voz, John al piano y voces, Ringo Starr a la percusión y George Harrison con la guitarra, sintetizador y voces) se dio por buena la toma definitiva de la que Paul se sintió orgulloso y Lennon no llegó a estar satisfecho por haberle ofendido queMcCartney no le dejara grabar la canción como solista siendo que el tema que le iba mucho más a su registro

My Baby Just Cares for Me

  En 1987 una conocida marca de moda usó “My Baby Just Cares for Me”, en la versión de Nina Simone, para un anuncio de uno de sus perfumes y la canción se convirtió en un éxito, llegando a ser número de ventas en varios países. Nina Simone la había grabado en 1958 para su álbum Little Girl BlueAntes de que se relanzara la versión de Nina Simone y se disparara el éxito, la canción había sido grabada también por otros como Frank Sinatra, Mel Tormé, Nat King Cole o Julie London.Será, no obstante, a partir de 1987 que se multiplicarán las versiones y grabaciones, sobre todo por parte de cantantes y grupos de jazz. “My Baby Just Cares for Me” ha formado parte de la banda sonora de algunas películas, como la que dirigió en 1996 Bernardo Bertolucci Stealing Beauty (Belleza robada), con la versión de Nina Simone.

Apache


  The Shadows, una de las formaciones más influyentes en el pop y el rock hecho con anterioridad a los Beatles, apareció en escena a finales de la década de los cincuenta, con los nombres iniciales de The Drifters y de Cliff Richard & The Drifters. La historia de The Shadows va ligada a la de Cliff Richard, pero podría decirse que también desarrollaron su propia carrera paralela como banda instrumental. El cuarteto original estaba compuesto por el bajista Jet Harris, el batería Tony Meehan y los guitarristas Bruce Welch y Hank Marvin, éste último uno de los primeros virtuosos de la guitarra eléctrica aplicada al rock, un innovador y, en gran medida, el responsable de ese sonido tan característico que salía de su Fender Stratocaster. El primer gran éxito de The Shadows, y con el paso del tiempo su tema más representativo, fue “Apache”, un tema instrumental compuesto Jerry Lordan como homenaje a la película del mismo nombre protagonizada por Burt Lancaster y dirigida por Robert Aldrich. Inicialmente fue grabada por el guitarrista británico Bert Weedon, aunque su trabajo apenas tuvo repercusión; algunos meses después, a raíz de escuchársela tocar a su autor al ukelele, los Shadows deciden grabarla en los estudios Abbey Road de Londres, con una serie de adaptaciones y mejoras realizadas por los miembros del grupo; además del cuarteto clásico, también intervino en la grabación el propio Cliff Richard, tocando un tambor indígena que contribuía a proporcionar ese ambiente de western indio tan acertadamente retratado en este clásico del rock instrumental

Black Magic Woman

  Es una canción de la banda británica Fleetwood Mac, que fue escrita por el guitarrista Peter Green y publicado en 1968 como sencillo a través de Blue Horizon Records para el Reino Unido y en 1969 por Epic Records para los Estados Unidos. Alcanzó el puesto 37 en los UK Singles Chart, convirtiéndose así en el primer sencillo de la agrupación en entrar en dicha lista
  En 1969 se incluyó en el álbum recopilatorio English Rose del cual se extrajo para promocionarlo en los Estados Unidos. Desde entonces ha sido incluido en diversos recopilatorios de la banda.
  Con el pasar de los años ha sido versionado por otros artistas como Gary Hoey en 1996 en el disco Bug Alley, también Snowy White exguitarrista de Thin Lizzy lo grabó para su disco The Way It Is de 2005. Sin embargo, una de las versiones más recordadas es la que realizó Santana en 1970
  En 1970, Santana la versionó para su álbum Abraxas publicado en el mismo año. Esta contó con más arreglos instrumentales que la original y a su vez fue más exitosa, ya que alcanzó el puesto 4 en la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos en 1971.